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Dal dipinto di Mario Pesarini al semibusto reliquiario e al suo altare originario: un viaggio tra immagini, reliquie e memoria collettiva.
Il percorso mariano che racconta l'origine, il viaggio e il significato della Madonna delle Grazie per San Giacomo e il suo santuario
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In questo audio puoi ascoltare l’intero racconto del percorso: dal dipinto di Pesarini al semibusto, fino all’altare e alle reliquie. Più sotto trovi i singoli pannelli con i testi di approfondimento.
Questo dipinto, parte del ciclo realizzato da Mario Pesarini nel 1956 per la cappella di San Giacomo, rappresenta una processione realmente documentata nella storia di Monteprandone. Si tratta della processione di preghiera e ringraziamento che la popolazione organizzò al termine dei rastrellamenti tedeschi durante la Seconda guerra mondiale. Il pittore raffigura un corteo composto da religiosi, bambini, famiglie e autorità civili che, in un clima di intensa partecipazione comunitaria, invocano la protezione della Madonna e di San Giacomo della Marca. La scena è ambientata in un contesto urbano riconoscibile, con un forte valore di memoria collettiva: è il popolo che entra nella storia della propria fede.
Al centro del corteo, portato sulle spalle da alcuni fedeli, si riconosce il semibusto ligneo seicentesco di San Giacomo della Marca.
Si tratta di un’opera realizzata tra 1612 e 1615 da un intagliatore napoletano, su iniziativa di fra Agapito da Napoli e padre Ludovico da Grottammare, con una funzione precisa: custodire nel petto una reliquia del braccio del santo. Questo busto non era dunque una semplice scultura, ma un reliquiario processionale, utilizzato nelle occasioni più solenni. Era portato durante cerimonie liturgiche, invocazioni speciali e momenti di emergenza. Secondo la Cronistoria dei Frati Minori (p. Talamonti), il busto, a fine Settecento, veniva impiegato anche in processioni straordinarie contro la siccità, organizzate dal Consiglio Comunale, dai canonici e dai frati;. Il busto rappresentato nel quadro è quindi un oggetto di culto vivo, che apparteneva alla vita religiosa e civile di Monteprandone.
Prima di essere utilizzato in processione, il busto era collocato nell’altare della cappella di San Giacomo, come documentano la scheda inventariale e la tradizione locale. L’altare, datato 1543, presenta un’impostazione architettonica di gusto rinascimentale, con iscrizioni che richiamano la devozione al santo e la gratitudine del popolo monteprandonese. Non si trattava soltanto di un altare, ma di un vero varco simbolico che introduceva allo spazio sacro della cappella, con funzione teologica e cultuale. Il busto, collocato su quell’altare, era dunque parte integrante della memoria liturgica del luogo e della continuità del culto. Il suo uso processionale non era una “eccezione”, ma il naturale prolungamento della sua funzione originaria.
Nel dipinto appare anche un ostensorio, portato dai religiosi durante la processione. Non è possibile identificare con certezza quale degli ostensori conservati nel santuario corrisponda a quello raffigurato, ma la presenza dell’ostensorio evidenzia:
• il carattere eucaristico della processione;
• il collegamento tra il culto del santo e la centralità dell’Eucaristia per la comunità;
• la solennità della celebrazione, che univa reliquia, santità, sacra liturgia e preghiera popolare.
L’ostensorio, insieme al busto, mostra come il dipinto rappresenti un intreccio di devozione e liturgia, in cui ogni oggetto sacro ha un ruolo preciso nella vita della comunità.
All’interno della cappella di San Giacomo, cuore storico e devozionale del santuario, si trova l’urna di bronzo che custodisce il corpo del santo. Le mani intrecciate, il saio francescano e il volto sereno restituiscono un’immagine di pace, ma anche di profonda familiarità con la comunità che continua a rivolgersi a lui. San Giacomo morì a Napoli il 28 novembre 1476, all’età di ottantatré anni. Le sue ultime parole — “Fate il bene adesso che siete sani e forti…” — riassumono bene il suo stile diretto, concreto, profondamente francescano. Subito dopo la morte, il popolo napoletano lo circondò di venerazione: folle di fedeli riempirono la chiesa per toccare il corpo e chiedere grazie. Secondo gli usi del Quattrocento, il corpo venne sottoposto a una mummificazione artificiale, con la rimozione degli organi interni e il riempimento delle cavità. Questo trattamento ha permesso alle sue spoglie di attraversare oltre cinque secoli mantenendo sorprendentemente riconoscibili pelle e lineamenti. Per più di quattrocento anni il corpo rimase a Napoli, fino a quando — tra il 1992 e il 2000 — grazie alla collaborazione tra la Provincia francescana e la diocesi marchigiana, le reliquie tornarono definitivamente a Monteprandone. Il loro arrivo fu accolto da processioni, migliaia di persone e un’intensa partecipazione popolare.
Il saio che il santo indossa nell’urna non è quello originale, ma un abito moderno realizzato durante l’ultima ricognizione.
Gli abiti autentici, invece — quelli realmente usati da San Giacomo durante la vita — sono oggi conservati al Museo Civico di Monteprandone, in attesa della riapertura del museo del santuario. Si tratta di un saio e di un mantello in lana, semplici e austeri, tipici dei frati osservanti del Quattrocento: sono indumenti che raccontano, con la loro materia e il loro consumo, lo stile di vita essenziale del santo.
Accanto agli abiti si conserva una piccola dotazione di biancheria liturgica:
Sono elementi che testimoniano la centralità dell’Eucaristia e della predicazione nel suo ministero quotidiano.
Completano il gruppo due borselli in pelle, destinati a contenere erbe medicinali: strumenti semplici, usati durante i viaggi per assistere i malati, che rivelano una carità concreta e quotidiana, fatta di gesti di cura oltre che di parole.
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Nella cappella di Santa Maria delle Grazie si conserva la terracotta policroma che, secondo la tradizione, San Giacomo ricevette nel 1468 dal cardinale Francesco della Rovere, futuro papa Sisto IV. Il santo la portò con sé anche nei suoi viaggi a Roma, dove l’immagine divenne protagonista di un episodio molto caro alla tradizione francescana. Durante una conversazione teologica sul mistero dell’Incarnazione, Giacomo presentò al cardinale un suo scritto. Si racconta che, mentre i due discutevano, la terracotta, posta accanto a loro, avrebbe inclinato lievemente il capo, come per confermare le parole del santo. Colpito dal segno, il cardinale decise di donargli l’immagine, che Giacomo nel 1471 affidò poi al convento delle Grazie di Monteprandone. L’opera appartiene alla scuola toscana del Quattrocento e richiama i modelli di Luca della Robbia, Donatello e Ghiberti. La coloritura originale è a tempera a freddo; lo sfondo stellato, invece, sembra essere un intervento ottocentesco, legato al rinnovamento del culto mariano.
L’episodio romano è raffigurato anche nel grande dipinto di Atanasio Favini, dove il cardinale consegna la terracotta a Giacomo mentre alcuni confratelli osservano la scena. L’opera non rappresenta soltanto un dono, ma il riconoscimento dell’autorevolezza teologica del santo e la nascita di un legame spirituale destinato a segnare la storia del santuario.
La Madonna delle Grazie ha avuto diverse collocazioni nel corso dei secoli:
• fino al 1827 era posto sull’altare maggiore all'interno di un tabernacolo dorato;
• dal 1889 si trova nella cappella di Santa Maria delle Grazie.
La cappella venne costruita grazie all’iniziativa di padre Petrelli, che voleva dare alla Madonna delle Grazie un luogo più solenne. La prima pietra fu benedetta il 12 novembre 1889 e, con il sostegno del Municipio, i lavori si conclusero nel 1892.
• L’edificio, in stile ionico, fu realizzato dal capomastro Luigi Mannucchi di Rapagnano.
• Dorature e decorazioni furono eseguite da Riccardo Muranesi di Fermo.
• La cappella venne aperta al culto il 18 ottobre 1892.
Oggi custodisce una copia della Madonna delle Grazie, realizzata intorno al 1970 dagli scultori di Ortisei per essere utilizzata durante le processioni.
La disputa pubblica di Brescia del 1462 è uno degli episodi più significativi della vita intellettuale di San Giacomo della Marca e testimonia il clima teologico acceso del Quattrocento. In quell’anno, su invito delle autorità religiose locali, San Giacomo intervenne per chiarire un tema delicatissimo: la natura teologica del sangue di Cristo raccolto durante la Passione, un argomento che aveva suscitato controversie tra alcuni frati domenicani e francescani. Il punto centrale riguardava la domanda: il sangue versato da Cristo sulla croce, una volta separato dal corpo, mantiene la sua natura divina? San Giacomo, fedele alla tradizione teologica francescana, sosteneva che quel sangue, non essendo più unito ipostaticamente alla persona divina, non potesse essere adorato con il culto dovuto solo a Dio. Questa posizione era fondata su una rigorosa interpretazione dogmatica e su testi patristici. I domenicani, dal canto loro, temevano che tale posizione potesse minare la devozione verso le reliquie del Preziosissimo Sangue, già ampiamente diffusa. Il dibattito fu intenso e molto partecipato, attirando studiosi, religiosi e autorità civili. Le cronache dell’epoca raccontano che San Giacomo parlò con tale sicurezza, lucidità e carisma da guadagnarsi grande rispetto anche tra chi non ne condivideva le conclusioni. L’episodio non fu una semplice disputa accademica: ebbe conseguenze importanti nella diffusione delle idee francescane e contribuì a definire la figura del santo come teologo autorevole, rigoroso e coraggioso, qualità che ancora oggi emergono nella sua iconografia — come nel busto reliquiario che lo ritrae con un calice, simbolo della dottrina difesa.
Il miracolo del calice è uno degli episodi più popolari e narrati della vita del santo, e la sua presenza iconografica è ancora oggi fortissima: nel busto, nelle statue processionali, nei dipinti antichi il Beato viene spesso rappresentato mentre regge un calice da cui emerge un piccolo serpente. Secondo la tradizione, durante un soggiorno a Majolati, alcuni avversari delle sue predicazioni tentarono di ucciderlo versando del veleno nel calice che gli veniva offerto. San Giacomo, prima di bere, tracciò il segno della croce sulla coppa. Immediatamente, raccontano le fonti agiografiche, un serpente uscì dal calice, rendendo manifesto il pericolo e sventando l’attentato. Questo racconto, pur essendo di natura miracolistica, ha un profondo valore simbolico: il serpente rappresenta il male, l’inganno, la minaccia nascosta; il calice richiama il sacrificio eucaristico e la purezza della dottrina cristiana; il gesto del santo indica la protezione divina che assiste il predicatore fedele alla verità. Nei secoli successivi il miracolo divenne parte fondamentale del patrimonio devozionale legato a San Giacomo. Molte comunità lo invocavano come protettore contro i veleni, le malattie improvvise e persino contro la malafede altrui. Ecco perché, nell’immagine del busto, il calice non è solo un attributo teologico, ma anche un segno di protezione, un ponte tra la tradizione popolare e la teologia più alta.
L’oro graffito è una tecnica decorativa raffinata e tipica della produzione artistica meridionale tra XVI e XVII secolo, particolarmente sviluppata nelle botteghe napoletane, dove il busto fu realizzato. La procedura era complessa e richiedeva grande abilità: l’artista applicava sul legno una foglia d’oro sottilissima, adagiata sulla superficie preparata con bolo armeno; una volta asciutta, la superficie dorata veniva coperta da uno strato di colore opaco, spesso bruno o nero; con strumenti appuntiti si incideva il colore, facendo riemergere il metallo sottostante e creando motivi ornamentali sottili e luminosi; talvolta si aggiungevano vernici trasparenti per modulare la brillantezza dell’oro. Il risultato è un effetto prezioso ma discreto: l’oro brilla in modo filtrato, come luce che affiora dall’ombra. Per questo veniva usato soprattutto su abiti sacri, aureole, decorazioni di sculture lignee, paramenti e reliquiari destinati a luoghi di culto. Nel busto di San Giacomo, l’oro graffito sottolinea la dignità spirituale del santo senza cadere nel fasto eccessivo: l’abito rimane quello povero dei francescani, ma la decorazione rende la figura solenne, luminosa, degna di custodire una reliquia. È un equilibrio perfetto tra arte, devozione e tecnica, un tratto distintivo di molte opere napoletane del primo Seicento.
Il calice presenta una raffinata decorazione a niello, una tecnica preziosa molto diffusa nel Quattrocento, soprattutto nelle aree dell’Italia centrale. Il niello consiste in un composto scuro a base di sali d’argento, rame e zolfo, fuso e inserito nelle incisioni praticate sul metallo prezioso; una volta lucidato, il contrasto tra l’argento brillante e il nero profondo del niello crea un effetto grafico di grande eleganza, ben visibile nelle rosette esagonali del fusto. Il nodo del calice ospita inoltre sei placche rotonde decorate in origine con smalti traslucidi, oggi quasi completamente perduti: questa tecnica prevedeva l’applicazione di sottili strati di smalto colorato su una lamina d’argento incisa, così che la luce potesse attraversare il colore e mettere in risalto il disegno sottostante, e la sua fragilità spiega perché gli smalti sopravvivano raramente intatti dopo molti secoli. Nel complesso, la presenza combinata di niello e smalto indica un oggetto liturgico di alto livello, realizzato in un contesto tecnico particolarmente aggiornato.
Il calice si presenta come un manufatto di grande qualità formale e decorativa, attribuibile a un orafo marchigiano attivo nella seconda metà del XV secolo. La struttura dell’opera combina elementi ancora legati alla tradizione gotica con soluzioni più mature del Quattrocento, riflettendo l’evoluzione del gusto nelle Marche e nelle regioni limitrofe. Piede Il piede poggia su una base mistilinea, caratterizzata dall’alternanza di sei punte e sei lobi. L’intera superficie è cesellata a bulino, con una cura minuziosa dei motivi floreali e vegetali. Lungo il bordo si riconoscono due fasce: una liscia e una riccamente ornata a fogliami. Nei sei lobi corre l’iscrizione mariana AVE MARIA, incisa in littera textualis quattrocentesca: lettere alte, slanciate, ornate da svolazzi e da piccoli fiori terminali. Il fondo è decorato con fiorellini a quattro petali. Questa iscrizione, oltre a riflettere la profonda devozione mariana dell’Ordine francescano, contribuisce alla datazione del calice per la tipologia dei caratteri. Fusto e nodo Al di sopra del piede, un collarino modanato introduce il fusto, che è esagonale e ornato da rosette in niello a sei petali. Il nodo è lievemente schiacciato e decorato con fogliami cesellati che incorniciano sei placche circolari. Le placche, originariamente impreziosite da smalti traslucidi, permettono ancora di riconoscere alcune figure incise: Cristo in pietà, la più leggibile; probabilmente san Giovanni evangelista; una Madonna addolorata (o una Vergine annunciata); una figura femminile velata; un personaggio maschile con libro e penna, interpretabile come evangelista o martire; un giovane diacono tonsurato, forse san Lorenzo, sebbene l’attributo della croce sostituisca la tradizionale graticola. L’insieme costituisce un piccolo ciclo iconografico, realizzato per accompagnare la meditazione liturgica. Sottocoppa e coppa Il sottocoppa, dal bordo mistilineo, è decorato con eleganti motivi floreali eseguiti a bulino. Sostiene la coppa, ampia e leggermente a imbuto, caratteristica che riflette una residua eredità gotica. Proprio questa forma aveva portato Luigi Serra (1936) a proporre una datazione trecentesca e un’attribuzione abruzzese. Gli studi successivi — in particolare quello di Daniela Ferriani (1998) — hanno corretto tale interpretazione, riconoscendo che l’insieme delle forme, la presenza del niello, la tipologia delle incisioni e i caratteri dell’iscrizione sul piede rimandano piuttosto al Quattrocento maturo, consentendo di collocare il calice nella seconda metà del secolo. Ambito di produzione Le Marche del Quattrocento erano un territorio caratterizzato da un’attività orafa vivace e tecnicamente raffinata, influenzata dagli Abruzzi ma dotata di una propria identità stilistica. Il calice riflette pienamente questo ambiente, combinando: ricchezza decorativa, equilibrio formale, padronanza delle tecniche preziose, iconografia coerente con la spiritualità del tempo. Tradizione legata a San Giacomo della Marca Secondo la tradizione riportata da Serra, il calice sarebbe stato appartenuto al santo, ipotesi resa plausibile dall’epoca del manufatto e dalla presenza, nello stesso museo, di un altro calice — in alabastro — collegato ai racconti agiografici. Tuttavia, per dimensioni e struttura, l’opera non sembra essere un calice “portatile” da missione, ma piuttosto un vaso sacro destinato al convento di Santa Maria delle Grazie, luogo in cui il santo soggiornava regolarmente. Una visita pastorale del Vescovo Bisleti (1851) menziona l’uso di un calice per le messe nel convento, senza descriverlo: non è possibile identificare con certezza l’oggetto, ma è plausibile che si trattasse di uno dei due calici legati alla tradizione di San Giacomo.
La bottega degli Embriachi, attiva tra la fine del XIV e il XV secolo, fu uno dei centri più raffinati nella lavorazione dell’avorio e degli intarsi in osso e legno. Di origine toscana e con sede a Firenze, il loro atelier operò anche per importanti committenti dell’Europa settentrionale, realizzando piccoli altari, cofanetti, dossali e oggetti devozionali destinati tanto all’ambiente religioso quanto alle corti aristocratiche. Gli Embriachi sono ricordati per la qualità dell’intaglio, la composizione modulare delle scene e l’uso di colori come l’azzurro e l’oro. Le loro opere più celebri sono documentate in contesti prestigiosi, come la Certosa di Champmol (per il duca di Borgogna), l’abbazia di Poissy (per Giovanni di Berry) e l’elaborato polittico della Certosa di Pavia, uno dei massimi esempi della loro produzione. Il trittico attribuito a questa bottega presenta tutti i caratteri distintivi dell’atelier: le figure snelle e stilizzate, la finezza del modellato, la presenza di motivi decorativi policromi e l’equilibrata disposizione dei personaggi. La sua qualità lo colloca pienamente nel repertorio artistico degli Embriachi, tra le testimonianze più significative dell’arte devozionale del primo Quattrocento.
Nel 1706, presso la chiesa di Santa Maria La Nova a Napoli, venne effettuata una ricognizione del corpo di San Giacomo della Marca, pratica allora comune per verificare lo stato delle reliquie e rinnovarne la custodia. In quell’occasione furono registrati con attenzione gli oggetti posti a contatto con le spoglie del santo, considerati testimonianze preziose della sua memoria. Tra questi oggetti figura il berrettino oggi conservato a Monteprandone. Fu proprio durante quella ricognizione che il manufatto venne deposto sul corpo del santo, motivo per cui la tradizione lo identifica come “berrettino di San Giacomo”. Il fatto che presenti un tessuto di fattura insolitamente raffinata, in contrasto con la vita austera e penitente del frate, ha sollevato nel tempo il quesito della sua effettiva origine, lasciando aperta la possibilità che esso sia stato riportato successivamente al luogo natale del santo. Un elemento significativo è la presenza, sul berrettino, di una piccola immagine applicata, realizzata con pittura e filo, che raffigura San Giacomo con ostensorio e libro: due attributi che richiamano la sua intensa attività di predicazione e il ruolo di difensore della dottrina eucaristica. Questa applicazione, probabilmente aggiunta come segno devozionale, testimonia la continua venerazione del santo nei secoli successivi alla sua morte. La ricognizione del 1706 assume così un ruolo centrale nella storia del manufatto, offrendo il contesto storico attraverso il quale il berrettino è giunto fino a noi come reliquia legata alla figura di San Giacomo della Marca.
Il pio esercizio della Via Crucis, oggi familiare in ogni chiesa, ha origine proprio nell’ambiente francescano del XIII secolo. I frati Minori, profondamente legati ai luoghi della Passione di Cristo, svilupparono un percorso devozionale che ripercorreva idealmente il tragitto di Gesù verso il Calvario. Poiché il pellegrinaggio a Gerusalemme era impossibile per la maggior parte dei fedeli, le comunità francescane iniziarono a collocare nei loro conventi una serie di rappresentazioni pittoriche, così da offrire a tutti la possibilità di meditare la Passione “a distanza”. La pratica si diffuse particolarmente dal XVIII secolo, quando divenne consuetudine allestire cicli completi di quattordici stazioni, ognuna dedicata a un episodio significativo del percorso di Cristo. Le immagini non avevano solo una funzione catechetica, ma dovevano coinvolgere emotivamente il devoto, rendendolo partecipe del dolore redentivo di Gesù. La Via Crucis di Monteprandone, proveniente dalla chiesa della Madonna delle Grazie, rientra pienamente in questo contesto. Realizzata intorno alla metà del Settecento, riflette lo stile e la produzione delle botteghe pittoriche di Fermo, come suggerisce anche la presenza degli stemmi delle famiglie nobili che ne sostennero la commissione. La serie è stata infatti avvicinata all’attività di Giuseppe Natali di Fermo, che nel 1738 dipinse una Via Crucis per il santuario del Beato Sante di Mombaroccio, estremamente simile a quella di Monteprandone. Entrambe le serie derivano a loro volta da un modello più antico realizzato nel 1731 dal pittore fermano Ubaldo Ricci per la chiesa della Maddalena di Ripatransone, oggi purtroppo trafugato. Questo prototipo sembra aver generato una vera e propria tradizione figurativa marchigiana, poiché Viae Crucis quasi identiche sono presenti in numerosi centri della regione. Non è semplice individuare con precisione la paternità di ciascuna serie, ma molte di esse sembrano riconducibili alla bottega dei Ricci, nella quale potrebbe aver operato lo stesso Natali. L’insieme testimonia una stagione creativa particolarmente feconda del Settecento fermano, capace di diffondere un modello iconografico efficace e molto apprezzato dalle comunità francescane della Marca. In questo quadro, la Via Crucis di Monteprandone non si collega direttamente alla figura di San Giacomo della Marca, ma rappresenta un tassello importante della spiritualità e della vita liturgica del convento a lui legato, offrendo un prezioso esempio della devozione e dell’arte sacra che caratterizzavano il territorio nei secoli successivi alla sua vita.
Sono Aurora Tomassini, laureanda in Storia dell’Arte presso l’Università degli Studi di Urbino “Carlo Bo”. Durante il mio percorso accademico ho conseguito una laurea triennale in Beni Culturali e Turismo, dove ho sviluppato un grande interesse per la valorizzazione del patrimonio storico-artistico e dei luoghi della memoria.
Il Santuario di San Giacomo della Marca, a Monteprandone, rappresenta un nodo fondamentale della spiritualità, della storia e dell’identità del territorio marchigiano. Con questo progetto ho voluto unire ricerca storico-artistica e strumenti digitali per rendere questo patrimonio accessibile, coinvolgente e vicino anche alle nuove generazioni.
Il risultato è un museo digitale narrativo pensato per accompagnare il visitatore in un percorso immersivo tra immagini, reliquie, documenti e memorie collettive.
