Dal dipinto di Mario Pesarini al semibusto reliquiario e al suo altare originario: un viaggio tra immagini, reliquie e memoria collettiva.
Un itinerario che interpreta la terracotta come segno di fede e patrimonio culturale locale.
Un viaggio tra le lunette dipinte di Emidio Tegli e la riconnessione con gli oggetti liturgici del museo virtuale.
Esplora le opere in alta qualità, con immagini, dettagli tecnici e approfondimenti.
Lascia un pensiero o una preghiera legata a San Giacomo e al Santuario: il tuo contributo entrerà nella memoria collettiva del luogo.
In questo audio puoi ascoltare l’intero racconto del percorso: dal dipinto di Pesarini al semibusto, fino all’altare e alle reliquie. Più sotto trovi i singoli pannelli con i testi di approfondimento.
Questo dipinto, parte del ciclo realizzato da Mario Pesarini nel 1956 per la cappella di San Giacomo, rappresenta una processione realmente documentata nella storia di Monteprandone. Si tratta della processione di preghiera e ringraziamento che la popolazione organizzò al termine dei rastrellamenti tedeschi durante la Seconda guerra mondiale. Il pittore raffigura un corteo composto da religiosi, bambini, famiglie e autorità civili che, in un clima di intensa partecipazione comunitaria, invocano la protezione della Madonna e di San Giacomo della Marca. La scena è ambientata in un contesto urbano riconoscibile, con un forte valore di memoria collettiva: è il popolo che entra nella storia della propria fede.
Al centro del corteo, portato sulle spalle da alcuni fedeli, si riconosce il semibusto ligneo seicentesco di San Giacomo della Marca.
Realizzato tra il 1612 e il 1615 da un intagliatore napoletano, questo busto nacque su iniziativa di fra Agapito da Napoli e padre Ludovico da Grottammare con una funzione precisa: custodire nel petto una reliquia del braccio del Santo. L'opera non era dunque una semplice scultura, ma un reliquiario processionale utilizzato nelle occasioni più solenni. Veniva portato a spalla durante le cerimonie liturgiche, le invocazioni speciali e nei momenti di grave emergenza. Secondo la Cronistoria dei Frati Minori, a fine Settecento il simulacro veniva impiegato anche in processioni straordinarie contro la siccità, organizzate congiuntamente dal Consiglio Comunale, dai canonici e dai frati. Il busto rappresentato nel quadro è quindi la testimonianza di un culto vivo, che per secoli ha unito la vita religiosa e civile di Monteprandone.
Prima di essere portato in processione, il busto trovava la sua collocazione naturale sull’altare della cappella di San Giacomo, come confermato dalle schede inventariali e dalla tradizione locale. Quest'ultimo, risalente al 1543, si distingue per un'architettura di squisito gusto rinascimentale, arricchita da iscrizioni che testimoniano la profonda devozione e la gratitudine del popolo di Monteprandone. Più che un semplice arredo, l'altare fungeva da vero varco simbolico, introducendo i fedeli allo spazio sacro della cappella con una precisa funzione teologica. La presenza del simulacro in questo luogo lo rendeva parte integrante della memoria liturgica del santuario. In quest'ottica, l’uso processionale non era un evento isolato o un’eccezione, ma il naturale prolungamento della sua funzione originaria: il Santo che, dal suo spazio sacro, usciva per incontrare e proteggere la sua gente nelle strade del borgo.
Nel dipinto appare anche un ostensorio, portato dai religiosi durante la processione. Anche se non è possibile identificare con certezza quale degli ostensori conservati nel santuario corrisponda a quello raffigurato, la sua presenza evidenzia la solennità di una celebrazione che unisce il carattere eucaristico alla devozione popolare per il Santo. Insieme al busto, l'ostensorio mostra come l’opera rappresenti un intreccio di fede e liturgia, in cui ogni oggetto sacro ha un ruolo preciso nel collegare la santità di Giacomo alla centralità dell'Eucaristia per la comunità di Monteprandone.
• il carattere eucaristico della processione;
• il collegamento tra il culto del santo e la centralità dell’Eucaristia per la comunità;
• la solennità della celebrazione, che univa reliquia, santità, sacra liturgia e preghiera popolare.
L’ostensorio, insieme al busto, mostra come il dipinto rappresenti un intreccio di devozione e liturgia, in cui ogni oggetto sacro ha un ruolo preciso nella vita della comunità.
All’interno della cappella di San Giacomo, cuore storico e devozionale del santuario, si trova l’urna di bronzo che custodisce il corpo del Santo. Le mani intrecciate, il saio francescano e il volto sereno restituiscono un’immagine di pace e di profonda familiarità con la comunità che, ancora oggi, continua a rivolgersi a lui. Giacomo morì a Napoli il 28 novembre 1476, all’età di ottantatré anni. Le sue ultime parole — “Fate il bene adesso che siete sani e forti…” — riassumono perfettamente il suo stile diretto, concreto e profondamente francescano. Subito dopo la scomparsa, il popolo napoletano lo circondò di venerazione: folle di fedeli riempirono la chiesa per toccare le sue spoglie e chiedere grazie. Secondo le consuetudini del Quattrocento, il corpo fu sottoposto a una mummificazione artificiale, che ha permesso ai lineamenti e alla pelle di rimanere sorprendentemente riconoscibili attraverso oltre cinque secoli. Per più di quattrocento anni Giacomo rimase a Napoli, fino a quando — tra il 1992 e il 2000 — grazie alla collaborazione tra la Provincia francescana e la diocesi marchigiana, le reliquie sono tornate definitivamente a Monteprandone. Il loro arrivo è stato accolto da un'immensa partecipazione popolare, segno di un legame con la sua terra che il tempo non ha mai scalfito.
Il saio che il santo indossa nell’urna non è quello originale, ma un abito moderno realizzato durante l’ultima ricognizione.
Gli abiti autentici, invece — quelli realmente usati da San Giacomo durante la vita — sono oggi conservati al Museo Civico di Monteprandone, in attesa della riapertura del museo del santuario. Si tratta di un saio e di un mantello in lana, semplici e austeri, tipici dei frati osservanti del Quattrocento: sono indumenti che raccontano, con la loro materia e il loro consumo, lo stile di vita essenziale del santo.
Accanto agli abiti si conserva una piccola dotazione di biancheria liturgica:
Sono elementi che testimoniano la centralità dell’Eucaristia e della predicazione nel suo ministero quotidiano.
Il saio che il Santo indossa oggi nell’urna non è quello originale, ma un abito moderno realizzato durante l’ultima ricognizione. Le vesti autentiche — quelle realmente indossate da Giacomo durante la sua vita — sono attualmente custodite presso il Museo Civico di Monteprandone, in attesa della riapertura del museo del santuario. Si tratta di un saio e di un mantello in lana, semplici e austeri: indumenti tipici dei frati osservanti del Quattrocento che raccontano, attraverso la loro trama consumata, uno stile di vita essenziale. Insieme a questi, si conserva una dotazione di biancheria liturgica composta da due camici, due cotte e due tovaglie d’altare; sono elementi che testimoniano quanto l’Eucaristia e la preghiera fossero centrali nel suo ministero quotidiano. Completano il gruppo due borselli in pelle utilizzati per contenere erbe medicinali. Erano strumenti semplici, portati durante i lunghi viaggi per assistere i malati, e rivelano oggi una carità fatta non solo di parole, ma di gesti di cura diretti e quotidiani.
In questo audio puoi ascoltare l’intero racconto del percorso: dal dipinto di Pesarini al semibusto, fino all’altare e alle reliquie. Più sotto trovi i singoli pannelli con i testi di approfondimento.
Nella cappella di Santa Maria delle Grazie si conserva una preziosa terracotta policroma che, secondo la tradizione, San Giacomo ricevette nel 1468 dal cardinale Francesco della Rovere, il futuro papa Sisto IV. Il Santo la portò con sé anche durante i suoi soggiorni a Roma, dove l’immagine divenne protagonista di un episodio molto caro alla memoria francescana. Si racconta che, durante una disputa teologica sul mistero dell’Incarnazione, Giacomo presentò al della Rovere un suo scritto. Mentre i due discutevano, la scultura, posta accanto a loro, avrebbe inclinato lievemente il capo, come per suggellare le parole del Santo. Profondamente colpito dal segno, il cardinale decise di fargli dono dell'effigie, che Giacomo affidò poi definitivamente al convento delle Grazie nel 1471. Dal punto di vista artistico, l’opera appartiene alla scuola toscana del Quattrocento e richiama l’influenza di maestri come Luca della Robbia, Donatello e Ghiberti. La stesura cromatica originale è realizzata a tempera a freddo, mentre lo sfondo stellato è probabilmente un intervento ottocentesco, frutto del rinnovamento del culto mariano in quell'epoca.
L’episodio romano della consegna della terracotta da parte del cardinale a Giacomo, mentre alcuni confratelli osservano la scena, è raffigurato anche nel grande dipinto di Atanasio Favini. L’opera non descrive soltanto un omaggio, ma il pieno riconoscimento dell’autorevolezza teologica del Santo e la nascita di un legame spirituale destinato a segnare per sempre la storia del santuario.
Nel corso dei secoli, l’immagine ha avuto diverse collocazioni all'interno del Santuario: - Fino al 1827, era posta sull’altare maggiore, custodita all’interno di un prezioso tabernacolo dorato. - Dal 1889, si trova nella cappella di Santa Maria delle Grazie, dove è venerata ancora oggi.
La costruzione della cappella si deve all’iniziativa di padre Petrelli, che desiderava offrire alla Madonna delle Grazie una collocazione più solenne. La prima pietra fu benedetta il 12 novembre 1889 e, grazie al sostegno del Municipio, l’opera fu completata nel 1892.
• L’edificio, in stile ionico, fu realizzato dal capomastro Luigi Mannucchi di Rapagnano.
• Dorature e decorazioni furono eseguite da Riccardo Muranesi di Fermo.
• La cappella venne aperta al culto il 18 ottobre 1892.
Oggi la cappella custodisce una copia della Madonna delle Grazie, realizzata intorno al 1970 dai maestri scultori di Ortisei. Questa fedele riproduzione è stata creata con uno scopo preciso: essere utilizzata durante le processioni, permettendo così di preservare l'originale quattrocentesco dai rischi del trasporto.
La narrazione ti guiderà attraverso le lunette del chiostro svelandoti i simboli nascosti e il legame profondo tra le scene dipinte e i tesori reali custoditi nel museo virtuale.
La narrazione ha inizio a Monteprandone, in una domenica di settembre del 1393. La scena mostra il fonte battesimale dove il piccolo Domenico, il futuro San Giacomo, viene purificato dall'acqua. Se sollevi lo sguardo verso l'alto, vedrai la Santa Colomba dello Spirito Santo accompagnare questo momento: un dettaglio che, come suggerito dal cartiglio, indica il primo fondamentale passo per entrare nel concilio degli eletti.
Proseguendo lungo il porticato, la narrazione ti conduce tra le colline del borgo. Qui ritrovi Domenico ormai cresciuto: lo vediamo nelle vesti di un giovane pastore intento a curare il suo gregge, la cui serenità viene improvvisamente interrotta dall'assalto di un lupo. L’immagine ti invita però a una lettura più profonda: la fiera rappresenta il 'demon truce', il male che tenta di ostacolare il cammino del futuro Santo. La sua salvezza non è solo un evento prodigioso, ma il primo segno tangibile di una protezione divina che non lo abbandonerà mai.
Il cammino prosegue fino a Bibbiena dove, nel 1416, la vita di Domenico giunge a una svolta decisiva. Qui lo ritroviamo impegnato nella sua attività legale, quando l'improvvisa apparizione di un Angelo lo chiama a una missione più alta. Se osservi i dettagli ai suoi piedi, noterai il contrasto della sua scelta: le rose simboleggiano le gioie della vita e i libri la sua professione, mentre a sinistra le pietre e le spine prefigurano già i sacrifici necessari per servire Dio e poterlo poi contemplare in eterno.
È il 25 luglio 1416, festa di San Giacomo apostolo. Domenico si reca a Santa Maria degli Angeli (Assisi) e chiede di essere accolto tra i Frati Minori. Da qui inizia il suo cammino francescano, destinato a cambiarne la vita.
Nel contesto dell’ingresso nell’Ordine, Domenico riceve il saio e assume il nome con cui sarà conosciuto: Giacomo. La vestizione segna il passaggio ufficiale a una nuova identità e a una vita di povertà e predicazione.
Terminato il noviziato, Giacomo consacra definitivamente la sua vita a Dio. Questa lunetta richiama il profondo legame del Santo con la Porziuncola; egli scriverà anni dopo di voler vivere e morire insieme ai padri di quella Provincia dove era stato ricevuto. Il cartiglio sottolinea la sua totale dedizione: un cuore "pien di desir" per la dimora del cielo.
Il cammino di fede di Giacomo prosegue ora verso Firenze dove, nel 1420, celebra la sua prima Messa. Se osservi attentamente il suo volto, puoi scorgere un'emozione profonda: si illumina d’amore mentre, per la prima volta, tiene tra le mani l’Eucaristia. Sopra di lui compare nuovamente la Santa Colomba, un ritorno simbolico che richiama il momento del suo Battesimo: è il segno della presenza viva di Dio che accompagna il Santo in questo sacrificio solenne sull'altare.
In questa lunetta, il cammino di fede di Giacomo entra nell'intimità di una piccola cella, dove il Santo cerca rifugio nel riposo e nella preghiera. Ma il male non desiste: i demoni appaiono per turbare la sua pace. Se guardi con attenzione la parete del dipinto, noterai l’immagine della Madonna delle Grazie: è a lei che Giacomo si affida, usando la preghiera per allontanare la "nemica possa" — l'oscura forza del male — e allontanare gli spiriti che tentano di assalirlo.
In questa lunetta, il cammino di fede di Giacomo fa tappa alla Santa Casa di Loreto, al suo ritorno dalla Bosnia. È un momento di profonda fragilità umana: stanco delle continue tentazioni, il Santo si rivolge alla Vergine per chiederle protezione e sollievo. La tradizione narra che Maria gli apparve con parole di conforto: "Datti buona voglia, figliolo". Da quell’istante, proprio come raccontano le cronache dell'epoca, Giacomo fu liberato da ogni turbamento, ritrovando finalmente la pace nel cuore.
Giacomo non è solo un uomo di preghiera, ma un instancabile pacificatore. Qui lo vediamo ad Ancona, città allora dilaniata dalle discordie. Grazie al suo apostolato e alle sue parole, la "sbandita pace" torna a regnare tra gli abitanti del comune e del contado.
Il pericolo accompagna spesso i viaggi di Giacomo, e qui lo vediamo affrontare una delle prove più insidiose. Alcuni eretici cercano di ucciderlo offrendogli del cibo avvelenato, ma la frode nulla può contro la sua santità: nel momento in cui il Santo traccia un segno di croce, il piatto si frantuma miracolosamente. Se osservi i dettagli, noterai un cane che muore al suo posto dopo aver mangiato ciò che era destinato a lui: è il segno tangibile che il Cielo veglia sempre sulla vita dei suoi giusti.
Qui l’artista Tegli sceglie di unire due diversi miracoli compiuti da Giacomo invocando il nome di Gesù: la guarigione di un uomo muto e quella di un cieco. Vediamo il Santo agire come uno strumento nelle mani di Dio per restituire la parola a chi era rimasto in silenzio e permettere a chi era nel buio di tornare a vedere la luce. È una scena densa di speranza, dove la fede trasforma profondamente la vita di chi soffre.
In questa lunetta, lo sguardo si volge verso terre lontane, tra le montagne della Bosnia. Giacomo si trova davanti a una vera folla di infedeli e la sua predicazione è così potente da toccare i cuori, trasformando profondamente "pensieri e voglie". Molti, convinti dalle sue parole, decidono di cambiare vita e si accostano al fonte battesimale per ricevere l’acqua che purifica dai peccati. È il racconto di una missione difficile che si trasforma in un grande momento di rinascita spirituale.
La missione di Giacomo si fa ancora più difficile: per testare la sua fede, gli infedeli lo costringono a bere del veleno. Il Santo supera indenne questa prova, sopravvivendo al tentativo di omicidio e lasciando i suoi avversari nello sbalordimento. È un momento di estrema tensione, dove la protezione divina trionfa ancora una volta sull'odio.
In questa scena la violenza si fa esplicita: i soldati di un re crudele cercano di uccidere Giacomo con le spade. Il Santo non scappa, ma offre con coraggio il petto ai suoi nemici. Proprio in quel momento avviene il miracolo: le mani dei sicari si bloccano e il loro sangue "agghiaccia" — cioè si gela per il terrore — rendendoli immobili e incapaci di colpire l’uomo di Dio.
L’autorità di Giacomo viene messa alla prova nel cuore della Cristianità, a Roma. Davanti a Papa Eugenio IV, il frate deve difendere le sue predicazioni sul Sangue di Cristo da accuse molto pesanti. L’artista Tegli ci mostra un momento di grande ascolto: la curia non sta giudicando, ma osserva ammirata la sapienza del frate di Monteprandone. È qui che Giacomo dimostra come la forza della parola e dello studio possa vincere ogni sospetto, guadagnandosi il rispetto dei vertici della Chiesa.
Nel 1442, il condottiero Niccolò Piccinino fa rinchiudere Giacomo nelle carceri di Fabriano, preoccupato per la sua grande influenza sulla popolazione. Tuttavia, le sbarre non riescono a trattenere lo spirito del Santo: immerso in una preghiera incessante, Giacomo ottiene miracolosamente la libertà e torna a svolgere la sua missione. Questo episodio mostra come la forza interiore possa superare anche le prigioni più dure.
In questa lunetta, la narrazione ci porta lontano, durante le missioni di Giacomo in Bosnia. Il Santo si trova a dover attraversare il fiume Neretva, un corso d'acqua impetuoso e pericoloso. Non avendo mezzi a disposizione, Giacomo compie un prodigio che richiama i grandi miracoli biblici: stende il suo mantello sulle acque e, camminandovi sopra come se fosse terra ferma, attraversa il fiume incolume. Questo episodio non celebra solo il potere taumaturgico del Santo, ma simboleggia la sua capacità di superare ogni ostacolo terreno grazie alla fede incrollabile.
Presso una piccola cappella a Matelica, un malvivente si nasconde aspettando il momento giusto per uccidere Giacomo. Ma il piano fallisce per un intervento soprannaturale: la Vergine Maria interviene con la voce e con lo sguardo, terrorizzando l'aggressore. Il criminale, colpito dalla potenza divina, cade al suolo "come morto di vergogna e di paura". La scena mostra come il Santo fosse costantemente protetto dal cielo, anche nei momenti di più estremo pericolo.
Persino a Milano, davanti al Duca Francesco Sforza e a sua moglie che gli offrono la carica di arcivescovo, il frate non vacilla. Nonostante l'importanza dell'offerta, egli rifiuta la mitra e ogni onore per restare fedele al suo voto di povertà. Restando un semplice seguace di San Francesco, Giacomo dimostra che la sua vera missione non era comandare, ma mettersi al servizio dei più deboli.
A Brescia, un crimine orribile scuote la città: il piccolo Corrado viene ucciso e nascosto, murato vivo all'interno di un camino. Quando ogni speranza sembra svanita, interviene Giacomo. Grazie alla sua preghiera, il Santo non solo ritrova il bambino, ma lo riporta miracolosamente in vita, restituendolo sano e salvo all'abbraccio commosso del padre. È un’immagine potentissima che celebra la forza della vita capace di sconfiggere anche la crudeltà più nera.
Giacomo dimostra qui il suo dono di saper guardare nel futuro. Durante un'importante riunione a Perugia nel 1464, il Santo indica davanti a tutti Francesco della Rovere come il futuro custode delle "sante chiavi". È una predizione straordinaria che si avvererà qualche anno dopo, quando l'uomo diventerà Papa con il nome di Sisto IV. Il dipinto celebra Giacomo non solo come predicatore e taumaturgo, ma come una guida illuminata capace di riconoscere i destini scelti da Dio.
Alla fine del 1470, Giacomo compie un miracolo proprio nella sua terra, guarendo un ragazzo del luogo che aveva le membra completamente rattrappite. Al suono della voce del Santo, il giovane sente svanire ogni dolore: si sente improvvisamente libero e forte e ricomincia a camminare tra lo stupore dei presenti. È un episodio che celebra il legame profondo e mai interrotto tra Giacomo e le sue radici.
A Civitella del Tronto, Giacomo libera una donna tormentata da forze oscure tra lo stupore dei presenti. Testimone d'eccezione dell'evento è Alfonso, duca di Calabria: il nobile resta così profondamente colpito dal carisma del frate da volerlo accanto a sé a Napoli. Questo incontro segnerà l'inizio dell'ultimo capitolo della vita di Giacomo, che passerà i suoi anni finali proprio alla corte aragonese.
Il cammino terreno di Giacomo si conclude a Napoli. Il 28 novembre 1476, circondato dall'amico Venanzio e dai suoi confratelli, il Santo si spegne serenamente. Proprio in quell'istante, Giacomo viene rapito da una visione divina: il suo volto si illumina di uno splendore soprannaturale, simbolo di un'anima che ha già raggiunto la pace del Paradiso. Questa scena finale non racconta una fine, ma il traguardo glorioso di una vita interamente dedicata alla fede.
La disputa pubblica di Brescia del 1462 è uno degli episodi più significativi della vita intellettuale di San Giacomo della Marca e testimonia il clima teologico acceso del Quattrocento. In quell’anno, su invito delle autorità religiose locali, San Giacomo intervenne per chiarire un tema delicatissimo: la natura teologica del sangue di Cristo raccolto durante la Passione, un argomento che aveva suscitato controversie tra alcuni frati domenicani e francescani. Il punto centrale riguardava la domanda: il sangue versato da Cristo sulla croce, una volta separato dal corpo, mantiene la sua natura divina? San Giacomo, fedele alla tradizione teologica francescana, sosteneva che quel sangue, non essendo più unito ipostaticamente alla persona divina, non potesse essere adorato con il culto dovuto solo a Dio. Questa posizione era fondata su una rigorosa interpretazione dogmatica e su testi patristici. I domenicani, dal canto loro, temevano che tale posizione potesse minare la devozione verso le reliquie del Preziosissimo Sangue, già ampiamente diffusa. Il dibattito fu intenso e molto partecipato, attirando studiosi, religiosi e autorità civili. Le cronache dell’epoca raccontano che San Giacomo parlò con tale sicurezza, lucidità e carisma da guadagnarsi grande rispetto anche tra chi non ne condivideva le conclusioni. L’episodio non fu una semplice disputa accademica: ebbe conseguenze importanti nella diffusione delle idee francescane e contribuì a definire la figura del santo come teologo autorevole, rigoroso e coraggioso, qualità che ancora oggi emergono nella sua iconografia — come nel busto reliquiario che lo ritrae con un calice, simbolo della dottrina difesa.
Il miracolo del calice è uno degli episodi più popolari e narrati della vita del santo, e la sua presenza iconografica è ancora oggi fortissima: nel busto, nelle statue processionali, nei dipinti antichi il Beato viene spesso rappresentato mentre regge un calice da cui emerge un piccolo serpente. Secondo la tradizione, durante un soggiorno a Majolati, alcuni avversari delle sue predicazioni tentarono di ucciderlo versando del veleno nel calice che gli veniva offerto. San Giacomo, prima di bere, tracciò il segno della croce sulla coppa. Immediatamente, raccontano le fonti agiografiche, un serpente uscì dal calice, rendendo manifesto il pericolo e sventando l’attentato. Questo racconto, pur essendo di natura miracolistica, ha un profondo valore simbolico: il serpente rappresenta il male, l’inganno, la minaccia nascosta; il calice richiama il sacrificio eucaristico e la purezza della dottrina cristiana; il gesto del santo indica la protezione divina che assiste il predicatore fedele alla verità. Nei secoli successivi il miracolo divenne parte fondamentale del patrimonio devozionale legato a San Giacomo. Molte comunità lo invocavano come protettore contro i veleni, le malattie improvvise e persino contro la malafede altrui. Ecco perché, nell’immagine del busto, il calice non è solo un attributo teologico, ma anche un segno di protezione, un ponte tra la tradizione popolare e la teologia più alta.
L’oro graffito è una tecnica decorativa raffinata e tipica della produzione artistica meridionale tra XVI e XVII secolo, particolarmente sviluppata nelle botteghe napoletane, dove il busto fu realizzato. La procedura era complessa e richiedeva grande abilità: l’artista applicava sul legno una foglia d’oro sottilissima, adagiata sulla superficie preparata con bolo armeno; una volta asciutta, la superficie dorata veniva coperta da uno strato di colore opaco, spesso bruno o nero; con strumenti appuntiti si incideva il colore, facendo riemergere il metallo sottostante e creando motivi ornamentali sottili e luminosi; talvolta si aggiungevano vernici trasparenti per modulare la brillantezza dell’oro. Il risultato è un effetto prezioso ma discreto: l’oro brilla in modo filtrato, come luce che affiora dall’ombra. Per questo veniva usato soprattutto su abiti sacri, aureole, decorazioni di sculture lignee, paramenti e reliquiari destinati a luoghi di culto. Nel busto di San Giacomo, l’oro graffito sottolinea la dignità spirituale del santo senza cadere nel fasto eccessivo: l’abito rimane quello povero dei francescani, ma la decorazione rende la figura solenne, luminosa, degna di custodire una reliquia. È un equilibrio perfetto tra arte, devozione e tecnica, un tratto distintivo di molte opere napoletane del primo Seicento.
Il calice presenta una raffinata decorazione a niello, una tecnica preziosa molto diffusa nel Quattrocento, soprattutto nelle aree dell’Italia centrale. Il niello consiste in un composto scuro a base di sali d’argento, rame e zolfo, fuso e inserito nelle incisioni praticate sul metallo prezioso; una volta lucidato, il contrasto tra l’argento brillante e il nero profondo del niello crea un effetto grafico di grande eleganza, ben visibile nelle rosette esagonali del fusto. Il nodo del calice ospita inoltre sei placche rotonde decorate in origine con smalti traslucidi, oggi quasi completamente perduti: questa tecnica prevedeva l’applicazione di sottili strati di smalto colorato su una lamina d’argento incisa, così che la luce potesse attraversare il colore e mettere in risalto il disegno sottostante, e la sua fragilità spiega perché gli smalti sopravvivano raramente intatti dopo molti secoli. Nel complesso, la presenza combinata di niello e smalto indica un oggetto liturgico di alto livello, realizzato in un contesto tecnico particolarmente aggiornato.
Il calice si presenta come un manufatto di grande qualità formale e decorativa, attribuibile a un orafo marchigiano attivo nella seconda metà del XV secolo. La struttura dell’opera combina elementi ancora legati alla tradizione gotica con soluzioni più mature del Quattrocento, riflettendo l’evoluzione del gusto nelle Marche e nelle regioni limitrofe. Piede Il piede poggia su una base mistilinea, caratterizzata dall’alternanza di sei punte e sei lobi. L’intera superficie è cesellata a bulino, con una cura minuziosa dei motivi floreali e vegetali. Lungo il bordo si riconoscono due fasce: una liscia e una riccamente ornata a fogliami. Nei sei lobi corre l’iscrizione mariana AVE MARIA, incisa in littera textualis quattrocentesca: lettere alte, slanciate, ornate da svolazzi e da piccoli fiori terminali. Il fondo è decorato con fiorellini a quattro petali. Questa iscrizione, oltre a riflettere la profonda devozione mariana dell’Ordine francescano, contribuisce alla datazione del calice per la tipologia dei caratteri. Fusto e nodo Al di sopra del piede, un collarino modanato introduce il fusto, che è esagonale e ornato da rosette in niello a sei petali. Il nodo è lievemente schiacciato e decorato con fogliami cesellati che incorniciano sei placche circolari. Le placche, originariamente impreziosite da smalti traslucidi, permettono ancora di riconoscere alcune figure incise: Cristo in pietà, la più leggibile; probabilmente san Giovanni evangelista; una Madonna addolorata (o una Vergine annunciata); una figura femminile velata; un personaggio maschile con libro e penna, interpretabile come evangelista o martire; un giovane diacono tonsurato, forse san Lorenzo, sebbene l’attributo della croce sostituisca la tradizionale graticola. L’insieme costituisce un piccolo ciclo iconografico, realizzato per accompagnare la meditazione liturgica. Sottocoppa e coppa Il sottocoppa, dal bordo mistilineo, è decorato con eleganti motivi floreali eseguiti a bulino. Sostiene la coppa, ampia e leggermente a imbuto, caratteristica che riflette una residua eredità gotica. Proprio questa forma aveva portato Luigi Serra (1936) a proporre una datazione trecentesca e un’attribuzione abruzzese. Gli studi successivi — in particolare quello di Daniela Ferriani (1998) — hanno corretto tale interpretazione, riconoscendo che l’insieme delle forme, la presenza del niello, la tipologia delle incisioni e i caratteri dell’iscrizione sul piede rimandano piuttosto al Quattrocento maturo, consentendo di collocare il calice nella seconda metà del secolo. Ambito di produzione Le Marche del Quattrocento erano un territorio caratterizzato da un’attività orafa vivace e tecnicamente raffinata, influenzata dagli Abruzzi ma dotata di una propria identità stilistica. Il calice riflette pienamente questo ambiente, combinando: ricchezza decorativa, equilibrio formale, padronanza delle tecniche preziose, iconografia coerente con la spiritualità del tempo. Tradizione legata a San Giacomo della Marca Secondo la tradizione riportata da Serra, il calice sarebbe stato appartenuto al santo, ipotesi resa plausibile dall’epoca del manufatto e dalla presenza, nello stesso museo, di un altro calice — in alabastro — collegato ai racconti agiografici. Tuttavia, per dimensioni e struttura, l’opera non sembra essere un calice “portatile” da missione, ma piuttosto un vaso sacro destinato al convento di Santa Maria delle Grazie, luogo in cui il santo soggiornava regolarmente. Una visita pastorale del Vescovo Bisleti (1851) menziona l’uso di un calice per le messe nel convento, senza descriverlo: non è possibile identificare con certezza l’oggetto, ma è plausibile che si trattasse di uno dei due calici legati alla tradizione di San Giacomo.
La bottega degli Embriachi, attiva tra la fine del XIV e il XV secolo, fu uno dei centri più raffinati nella lavorazione dell’avorio e degli intarsi in osso e legno. Di origine toscana e con sede a Firenze, il loro atelier operò anche per importanti committenti dell’Europa settentrionale, realizzando piccoli altari, cofanetti, dossali e oggetti devozionali destinati tanto all’ambiente religioso quanto alle corti aristocratiche. Gli Embriachi sono ricordati per la qualità dell’intaglio, la composizione modulare delle scene e l’uso di colori come l’azzurro e l’oro. Le loro opere più celebri sono documentate in contesti prestigiosi, come la Certosa di Champmol (per il duca di Borgogna), l’abbazia di Poissy (per Giovanni di Berry) e l’elaborato polittico della Certosa di Pavia, uno dei massimi esempi della loro produzione. Il trittico attribuito a questa bottega presenta tutti i caratteri distintivi dell’atelier: le figure snelle e stilizzate, la finezza del modellato, la presenza di motivi decorativi policromi e l’equilibrata disposizione dei personaggi. La sua qualità lo colloca pienamente nel repertorio artistico degli Embriachi, tra le testimonianze più significative dell’arte devozionale del primo Quattrocento.
Nel 1706, presso la chiesa di Santa Maria La Nova a Napoli, venne effettuata una ricognizione del corpo di San Giacomo della Marca, pratica allora comune per verificare lo stato delle reliquie e rinnovarne la custodia. In quell’occasione furono registrati con attenzione gli oggetti posti a contatto con le spoglie del santo, considerati testimonianze preziose della sua memoria. Tra questi oggetti figura il berrettino oggi conservato a Monteprandone. Fu proprio durante quella ricognizione che il manufatto venne deposto sul corpo del santo, motivo per cui la tradizione lo identifica come “berrettino di San Giacomo”. Il fatto che presenti un tessuto di fattura insolitamente raffinata, in contrasto con la vita austera e penitente del frate, ha sollevato nel tempo il quesito della sua effettiva origine, lasciando aperta la possibilità che esso sia stato riportato successivamente al luogo natale del santo. Un elemento significativo è la presenza, sul berrettino, di una piccola immagine applicata, realizzata con pittura e filo, che raffigura San Giacomo con ostensorio e libro: due attributi che richiamano la sua intensa attività di predicazione e il ruolo di difensore della dottrina eucaristica. Questa applicazione, probabilmente aggiunta come segno devozionale, testimonia la continua venerazione del santo nei secoli successivi alla sua morte. La ricognizione del 1706 assume così un ruolo centrale nella storia del manufatto, offrendo il contesto storico attraverso il quale il berrettino è giunto fino a noi come reliquia legata alla figura di San Giacomo della Marca.
Il pio esercizio della Via Crucis, oggi familiare in ogni chiesa, ha origine proprio nell’ambiente francescano del XIII secolo. I frati Minori, profondamente legati ai luoghi della Passione di Cristo, svilupparono un percorso devozionale che ripercorreva idealmente il tragitto di Gesù verso il Calvario. Poiché il pellegrinaggio a Gerusalemme era impossibile per la maggior parte dei fedeli, le comunità francescane iniziarono a collocare nei loro conventi una serie di rappresentazioni pittoriche, così da offrire a tutti la possibilità di meditare la Passione “a distanza”. La pratica si diffuse particolarmente dal XVIII secolo, quando divenne consuetudine allestire cicli completi di quattordici stazioni, ognuna dedicata a un episodio significativo del percorso di Cristo. Le immagini non avevano solo una funzione catechetica, ma dovevano coinvolgere emotivamente il devoto, rendendolo partecipe del dolore redentivo di Gesù. La Via Crucis di Monteprandone, proveniente dalla chiesa della Madonna delle Grazie, rientra pienamente in questo contesto. Realizzata intorno alla metà del Settecento, riflette lo stile e la produzione delle botteghe pittoriche di Fermo, come suggerisce anche la presenza degli stemmi delle famiglie nobili che ne sostennero la commissione. La serie è stata infatti avvicinata all’attività di Giuseppe Natali di Fermo, che nel 1738 dipinse una Via Crucis per il santuario del Beato Sante di Mombaroccio, estremamente simile a quella di Monteprandone. Entrambe le serie derivano a loro volta da un modello più antico realizzato nel 1731 dal pittore fermano Ubaldo Ricci per la chiesa della Maddalena di Ripatransone, oggi purtroppo trafugato. Questo prototipo sembra aver generato una vera e propria tradizione figurativa marchigiana, poiché Viae Crucis quasi identiche sono presenti in numerosi centri della regione. Non è semplice individuare con precisione la paternità di ciascuna serie, ma molte di esse sembrano riconducibili alla bottega dei Ricci, nella quale potrebbe aver operato lo stesso Natali. L’insieme testimonia una stagione creativa particolarmente feconda del Settecento fermano, capace di diffondere un modello iconografico efficace e molto apprezzato dalle comunità francescane della Marca. In questo quadro, la Via Crucis di Monteprandone non si collega direttamente alla figura di San Giacomo della Marca, ma rappresenta un tassello importante della spiritualità e della vita liturgica del convento a lui legato, offrendo un prezioso esempio della devozione e dell’arte sacra che caratterizzavano il territorio nei secoli successivi alla sua vita.
Sono Aurora Tomassini, laureanda in Storia dell’Arte presso l’Università degli Studi di Urbino “Carlo Bo”. Durante il mio percorso accademico ho conseguito una laurea triennale in Beni Culturali e Turismo, dove ho sviluppato un grande interesse per la valorizzazione del patrimonio storico-artistico e dei luoghi della memoria.
Il Santuario di San Giacomo della Marca, a Monteprandone, rappresenta un nodo fondamentale della spiritualità, della storia e dell’identità del territorio marchigiano. Con questo progetto ho voluto unire ricerca storico-artistica e strumenti digitali per rendere questo patrimonio accessibile, coinvolgente e vicino anche alle nuove generazioni.
Il risultato è un museo digitale narrativo pensato per accompagnare il visitatore in un percorso immersivo tra immagini, reliquie, documenti e memorie collettive.
